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julio 2014

PRIMERO SE LLEVARON…

¡Despierta!

Primero se llevaron a los comunistas, pero a mi no me importó porque yo no lo era; enseguida se llevaron a unos obreros, pero a mí no me importó porque yo tampoco lo era, después detuvieron a los sindicalistas, pero a mí no me importó porque yo no soy sindicalista; luego apresaron a unos curas, pero como yo no soy religioso, tampoco me importó; ahora me llevan a mí, pero ya es demasiado tarde. Bertolt Brecht, poeta y dramaturgo alemán (1898-1956)
Seamos solidarios con nuestros semejantes, la vida es cíclica, lo que hoy está arriba, mañana puede estar abajo; así, tal como dice la sabiduría popular: “hoy por ti y mañana por mí”.
Pero a Dios lo que es de Dios y al César lo que es del César. Este texto atribuido a Bertolt Brecht, realmente pertenece al pastor luterano alemán Martin Niemöller (1892–1984), es parte de un sermón dado…

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¿Ir bien?

A mí mismo, me dije tantas veces que lo iba a lograr

y sin embargo, cuando la noche es larga no sé si puedo seguir

aguantando golpe a golpe

que parecieran venir como un alud hacia mí.

 

Y no me importa que rime, porque no es un poema de estética.

No me importa lo que escribo mientras siga adelante.

No me importa si esto tiene algún sentido,

porque lo escribo para soportar.

 

Soportar la lejanía

Amenizar la melancolía,

que como una enfermedad oculta parece atacarme

cuando todo pareciera ir bien .

 

¿Ir bien?

Estoy roto, completamente destruido.

 

Todas las grietas las decoro con dorado, como si me embellecieran

pero por más brillo que tengan

no dejan de ser grietas.

 

De todas las caídas me levanté, con la mirada soñadora aunque vidriosa

pero no sé cuánto más pueda seguir levantándome.

 

Sé que no estoy solo, pero no se siente así.

Se siente como si estuviera rodeado por un mar de gente

que yendo y viniendo

ni siquiera me ve.

¿A él o a la idea?

En una noche fría, con un techo lleno de estrellas

que no podía ver,

fui a mirar una película

que quizás no debiera haber ido a ver.

 

Porque volví a extrañarlo.

Porque ya no estamos bajo la misma estrella.

Porque afloró en mí la nostalgia y la melancolía.

Quizás por todo eso no debería haber ido.

 

Porque a la salida,

perdido entre un montón de gente

vi a un hombre del que la vida me separó

que me hizo recordar que ya no tengo a mi gran amor.

 

No era él del que yo hablo,

pero lo conocí por aquel tiempo en el que mi cielo no tenía nubes.

Con el tiempo, quise intentar sentir lo mismo por el

y aunque no lo sentí,

y aunque es mejor que fuera así

y aunque le deseo lo mejor con su nuevo amor,

me recordó que me siento increíblemente solo.

 

Eso me hizo cuestionar

y ponerme a pensar si lo extraño a él

o a la idea.

 

La idea del amor está metida bien adentro de mi corazón.

Deseo amar y en el amor sentirme libre.

 

Pero también está conmigo

el recuerdo de su mirada dulce

de sus ojos café, como el resto de su cuerpo.

 

Pero también está conmigo

el recuerdo de posarme en sus pies,

y que me hiciera reír.

 

La terrible conclusión,

a la que temía mi corazón

es que lo extraño a él,

y extraño la idea.

Cine: Ciclo de Musicales del Sodre – Sala Nelly Goitiño

Como trabaje como personal de sala en el SODRE durante junio, tuve la oportunidad de ver varias películas del ciclo de musicales. Realmente fue una experiencia interesante porque son películas que uno no ve con frecuencia, que quizás no conoce y mucho menos tiene la oportunidad de verlo en un cine. Al verlo de esta manera y no a través de internet, más que ver una película, estás viviendo una experiencia. El ciclo de musicales continua, así que les voy a contar un poco de las películas que vi, y de las que van a estar siendo proyectadas para que, si son de su agrado las miren.

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La película trata sobre Tony Hunter que es un olvidado bailarín y esta organizando una subasta con su sombrero de copa, el bastón y los guantes. El resultado es desolador y Tony se da cuenta del abandono al que lo ha sometido el público. Pero se encuentra a dos viejos amigos, y estos le ofrecen una comedia dirigida por un excéntrico productor teatral, Jeffrey Cordova, que va a realizar una nueva versión de Fausto. Los ensayos son un desastre y Tony se enfrenta a la protagonista femenina, Gabrielle Gerard. El estreno es un fracaso. Entonces Tony se convertirá en el nuevo productor y hará la obra a su manera, cosechando grandes éxitos por allí donde pasa la gira.

El relativamente reciente fallecimiento de Cyd Charisse en 2008,  quien también protagonizo el famoso musical Singing in the rain hacen más que pertinente ver esta película de 1953, porque como Guillermo Cabrera Infante decía  “Las estrellas de cine nunca mueren: viven tanto como vive la materia de que están hechas las películas, que son los sueños, y aún el celuloide es increíblemente duradero”.  Y Cyd Charisse en el papel de Gabrielle Gerard junto al resto del elenco son estrellas de verdad.

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Hay imágenes icónicas en la película, como el número Man Hunt, en el que Cyd viste un vestido rojo que muestra sus piernas fabulosas y que en aquella época eran símbolo inequívoco de la expresión de incipiente sexualidad que el séptimo arte habría de tener. Muchos espectadores de aquel tiempo y de hoy, se concentraban más que en la calidad del baile de Astaire, o de la dupla con Charisse, en sus piernas, consideradas sin lugar a dudas las más lindas de la historia del cine. A pesar de ser una eximia bailarina, el foco en su belleza al mirar las películas existe.

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Brindis al Amor está dentro de cualquier lista de grandes musicales, en primer o segundo lugar justo con Cantando Bajo la Lluvia del año anterior, que es un referente obligado por su calidad y cercanía en la temática. Y lo está por su vigencia, porque es un viaje al interior del mundo del cine. Es un tributo al cine que nos lleva también a los entretelones de la preparación de una revista musical en Broadway por lo que puede ser considerada también un homenaje al mundo de los musicales.

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Y en este ciclo de musicales también vi otra película muy interesante que se llamaba Siete novias para siete hermanos.  Siete novias para siete hermanos (1954) es un musical romántico dirigido por Stanley Donen y protagonizado, en los roles principales, por Howard Keel y Jane Powell. Con música de Saul Chaplin y Gene de Paul, letra de Johnny Mercer y un guión de Albert Hackett, Frances Goodrich y Dorothy Kingsley, la historia se centra en el cuento The Sobbin’ Women, de Stephen Vincent Benét, y en la leyenda El rapto de las sabinas, mencionado incluso en la película, lo cual es un lindo detalle. El mayor de los siete hermanos salvajes Pontipee, Adam (Howard Keel), decide casarse con la guapa Milly (Jane Powell) y llevarla a la cabaña, junto a sus seis hermanos. Éstos, entonces, deciden bajar al pueblo y conseguir una mujer para cada uno. Pero vieron que no era tan fácil conquistar a una mujer y con divertidas escenas de danza y canto finalmente conquistan sus corazones.

Esta película es una oda a la misoginia, al síndrome de Estocolmo y si uno la analiza con los valores actuales denigra a la mujer. Pero considerando la época en que fue filmada y la época que retrata, que es anterior uno puede ignorar esos detalles. La época no está bien definida pero pareciera ser en una granja cercana a un pueblo en el siglo XIX con largos inviernos, poca comunicación y un aislamiento grande del resto del mundo.

Además la belleza estética, los colores, la fotografía y los talentosos cuadros de baile hacen que a uno se le esboce una sonrisa.

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Ver cine del pasado también es adentrarse en la época en que fueron filmados, en los valores de la sociedad que la produjo y es un ejercicio de aprendizaje y reflexión para quienes observamos cine con conciencia.

Les recomiendo que vayan y pidan un programa. Hay musicales para todos los gustos, el precio es muy módico y mirar cine un lunes, nos cambia la cara para el resto de la jornada.

 

Nueva vida para un niño hindú discapacitado que vivía atado en una estación de buses

La India, pais de contrastes, pais enigmatico, con mucho por hacer para lograr tener una sociedad justa. No olvidemos el maltrato animal, las violaciones a las chicas sin casta y su posterior asesinato, entre otros problemas.

CNNEspañol.com

Por Mallika Kapur

Mumbai (CNN) — Hace unas semanas, un niño atado a una parada de autobús en Mumbai apenas recibía la mirada rápida de los transeúntes ajenos a su situación difícil.

Sordo y mudo, Lakhan de 9 años era con frecuencia atado a un poste por su anciana abuela por miedo a que corriera hacia el tráfico en una carretera cercana mientras ella no estaba trabajando lejos.

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Cronología para entender el conflicto entre Israel y Hamás

Para dar algo de luz a este tiema!

CNNEspañol.com

(CNN) — Para entender el conflicto actual entre el Estado de Israel y el grupo palestino Hamás —que ha cobrado la vida de más de 200 palestinos y en el que este jueves se produjo la incursión terrestre israelí en Gaza— es necesario conocer los hechos de los últimos años que llevaron a esta situación.

Tres eventos vale la pena destacar:

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Ballet: El Mesias

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“El Mesías” fue un espectáculo de danza en el que la música de Handel se convirtió en baile. Y no solo en baile sino en ballet contemporáneo, por eso el espectáculo causo gran expectativa, reuniendo al Ballet Nacional Sodre (BNS) y al notable coreógrafo argentino Mauricio Wainrot. Estuvo en escena hasta el jueves 26. La función a la que asistí fue dicho jueves, por eso no se los recomendé para que fueran. Pero si les puedo contar de lo que fue la propuesta artística.

Ya adelantado por el director artístico del BNS Julio Bocca, este espectáculo no conto con los grandes decorados a los que la compañía oficial tiene acostumbrado a su público. Ese minimalismo le da un gran espacio a la danza y a la expresión corporal y a la gran joya del espectáculo, la increíble música de Handel.

Por eso, el montaje aposto a una producción de menos elementos y más a las coreografías, ya que puesto que Wainrot es un artista de renombre inquieto por explorar nuevos formatos e ideas en danza, que cuenta con una larga trayectoria, y que ya ha sorprendido por su original trabajo con los bailarines. Prueba de ello fue Un tranvía llamado Deseo, que sobre el clásico de Teneessee Williams hizo con el BNS en 2011. Esa obra también tuve el gusto de verla y si bien había leído el texto de Williams salí conmovido por lo que había visto en ese escenario.

Esta obra, según su coreógrafo fue muy exigente con los bailarines, por el nivel técnico que exige la ejecución de las coreografías pero por eso mismo es muy gratificante bailarla. Además la música es de las más increíbles que el mundo ha producido. Y no es común estar en escena y bailar todos juntos un ballet todo el tiempo. Eso es lo que sorprende a quienes somos asiduos al ballet, que todo el tiempo están muchos bailarines en escena. En la versión hecha en Montevideo hubo 30 bailarines, aunque la obra originalmente fue hecha para 24. Se agregaron bailarines para que tuvieran la chance de bailar mas personas.

La escenografía es conceptual, blanca y muy limpia. Se ve con claridad cada movimiento de los bailarines y pareciera que uno puede ver cada nota de la música de Handel. Sorprende la modernidad de la escenografía con lo clásico de la música, sobre todo porque hay música que todos conocemos como el Aleluya. Es contrastante en este sentido con otras obras del coreógrafo, incluso con Un tranvía llamado deseo.

El espectáculo pasa por distintos climas y momentos dado que trata 33 temas diferentes y suceden cuadros más grupales, otros más solistas, algunos más dramáticos, otros más alegres.

El coreógrafo: Mauricio Wainrot

Mauricio Wainrot cuenta con una gran carrera a sus espaldas. En la actualidad se desempeña como director artístico del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín de Buenos Aires, y ha sido coreógrafo permanente del Royal Ballet de Flandes, desde 1991 hasta 2004, creando para esta importante compañía europea once de sus obras más destacadas, entre ellas El Mesías.

Nacido en Buenos Aires, ha sido director artístico de Les Ballets Jazz de Montreal, en Canadá, entre 1992 y 1994.

Junto al escenógrafo y artista plástico Carlos Gallardo ha creado más de 40 obras, que han sido representadas por 44 compañías de danza y ballet en todo el mundo. Uno de esos trabajos es el título que hoy sube a escena en el Auditorio.

“Un tranvía… era una obra muy oscura, con personajes muy marcados, y El Mesías me parecía muy sublime, muy liviano, en el buen sentido. Es de esos espectáculos que salís relajado, como más liviano. Quería entonces que la compañía y el público conociera a este coreógrafo en dos facetas bien diferentes: una historia muy densa, y esta otra sin argumento ni personajes. Aparte, la música de Handel es maravillosa”. Esto es lo que pensó Julio Boca, director del Ballet del SODRE sobre la propuesta del Mesías, sobre mostrar a este coreógrafo en dos trabajos tan diferentes para que el público uruguayo pudiese apreciar su versatilidad y talento.

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Ficha Técnica:

Funciones del 13 al 26 de junio

Martes a sábados 20 hs. Domingos 17 hs.

Precios Platea alta $ 770 l Platea baja $ 700 l Tertulia y Palcos Platea alta $ 500 l Galería baja y Palcos tertulia $ 350 l Galería alta y Palcos galería baja y alta $ 140

Promociones

  • 10% de descuento con Tarjetas del BROU. Para tarjetas de débito aplicable sólo en boleterías del Auditorio.
  • 25% de descuento con Tarjeta Amigos Punta Carretas
  • 2 x 1 Club El Pais

El Mesías es una obra de danza contemporánea creada en 1996, -y revisada en 1999- por Mauricio Wainrot, coreógrafo argentino y director artístico del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín de Buenos Aires.

Inspirada en el Oratorio homónimo del compositor Georg Friederich Häendel, según Wainrot:

El Mesías es también una mirada hacia nuestro interior, una necesidad de volver a escuchar nuestros más íntimos y profundos silencios

Mi obra está inspirada en el maravilloso Oratorio de Häendel y en la espiritualidad de su música. No lleva ni persigue una línea argumental y en mi versión que es abstracta, he valorizado a través de los sucesivos movimientos y escenas, el misticismo y la emoción que la obra conlleva

Es una obra con escenografía y vestuario creados por Carlos Gallardo, todo el escenario es de color blanco y se desarrolla en esa atmósfera particular. Es allí, desde ese lugar donde siento que mi mística de artista se llena de emoción especial que me impulsa a compartir con todos.

“El Mesías” representa para mí en este momento tan particular una mirada a nuevas y viejas utopías, y a una solidaridad tal vez inédita entre nosotros. Es también una mirada hacia nuestro interior, una necesidad de volver a escuchar nuestros más íntimos y profundos olvidados silencios.

La música: Handel – El Mesías

El Mesías es la obra más conocida de Handel, aunque no debe ser considerada como característica, ya que ocupa un lugar único dentro de su cuerpo de trabajo. Mientras que en los demás puede reconocerse una marcada influencia italiana, la música de El Mesías se arraiga en las antiguas pasiones y cantatas alemanas.

Händel compuso la obra en Londres en 1741, en apenas tres semanas. Aunque tradicionalmente asociado con la Navidad, este oratorio trata no sólo el nacimiento de Jesús, sino toda su vida. El libretista compuso el texto del oratorio, formado por fragmentos bíblicos. Jennens presentó la obra como si fuese una ópera, dividida en tres actos subdivididos en escenas.

  1. La primera parte tiene por tema la Navidad. Se anuncia la venida de Cristo, por lo que se encuentran momentos de una gran intensidad expresiva.
  2. La segunda parte ilustra la Pasión, la Resurrección y la Ascensión finalizando con el famoso “Hallelujah”. Así pues, la segunda parte, que había empezado en el dolor y la tristeza de la Pasión, se llena de júbilo.
  3. En la tercera, se relata la victoria de Cristo ante la muerte, el Juicio final y la palabra “Amen”, que corona la obra.

Con algunas excepciones, la obra es una sucesión de arias y algún dueto, recitación y coros. Se puede decir que la obra destaca por su monumentalidad en cuanto a duración y proporciones sonoras.

Espero tengan la chance de poder ver este ballet en el futuro o poder escucharlo en su versión operística. Definitivamente vale la pena.

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Literatura: Definición de Tragedia

Del latín tragoedĭa, el término tragedia está asociado a un género literario y artístico del mismo nombre. Se trata del tipo de obra dramática con acciones fatales que generan espanto y compasión.

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Los personajes de una tragedia se enfrentan de forma inevitable contra los dioses o contra distintas situaciones de la vida, en hechos que los llevan hacia la fatalidad. El personaje principal de la tragedia suele terminar muerto o destruido moralmente. Sin embargo, existen las llamadas tragedias de sublimación, donde el personaje consigue convertirse en un héroe al desafiar todas las adversidades.

Hay que subrayar además que la tragedia literaria surgió en Grecia a partir de las obras realizadas por autores de la talla de Fornico o Tesis. No obstante, también contribuyeron al desarrollo y consolidación de la misma escritores de gran fama y relevancia en la historia como, por ejemplo, Esquilo.

No obstante, además de los autores expuestos tampoco podemos dejar pasar la oportunidad de citar a otros que, de un modo u otro, también se convierten en piezas fundamentales dentro del género de la tragedia a lo largo de los siglos. Este sería el caso de los españoles Calderón de la Barca y Lope de Vega, del francés Voltaire, del alemán Goethe o del inglés William Shakespeare.

De acuerdo a Aristóteles, como señala en su Poética una tragedia (en este caso sería el género conocido como tragedia griega) está compuesta por tres partes: prólogo, episodio y éxodo. El prólogo antecede la entrada del coro (que, a su vez, se divide en párodo y estásimo) y aporta la ubicación temporaria de la historia.

  1. Prólogo: Según Aristóteles es lo que antecede a la entrada del coro. Las características generales son: se da la ubicación temporaria y se une el pasado del héroe con el presente; pueden participar tres actores pero sólo hablan dos y el otro está mudo o puede ser un monólogo. Se le informa al espectador el porqué del castigo que va a recibir el héroe y en esta parte no interviene el coro.
  2. Párodos: cantos a cargo del coro durante la entrada por el párodo izquierdo presidido por un flautista. En esta parte se realiza un canto lírico, se dan danzas de avance y retroceso; se utiliza el dialecto dórico (más adecuado a los cantos corales debido a su musicalidad).
  3. Episodios: pueden ser hasta cinco, hay diálogo entre el coro y los personajes o entre personajes; es la parte más importante por ser la dramática por excelencia y expresa el pensamiento e ideas del personaje.
  4. Estásimo: es la parte lírica-dramática donde el autor expresa sus ideas políticas, filosóficas, religiosas, etc.; hay de tres a cinco, es la segunda entrada del coro y en esta parte no hay danza.
  5. Éxodo: es la parte final de la tragedia, hay cantos líricos y dramáticos, el héroe reconoce su error y es castigado (a veces con la muerte) por los dioses. Es aquí donde aparece la enseñanza moral. El éxodo, como los estásimos, siempre lo pronuncia el coro o el Corifeo.

El filósofo griego Aristóteles describió los rasgos comunes que observó en las tragedias de su época:

  • La unidad de acción. Solamente se escenifica una acción, lo cual permite al público concentrar su atención.
  • La unidad de lugar. La acción transcurre en un solo lugar.
  • La unidad de tiempo. La acción se desarrolla en un solo día.

Los actores

Solamente tres actores que recitaban sus parlamentos aparecían en escena en forma simultánea. Se movía entre la escené (especie de decorado) y el proscenio (la parte más cercana al público). Llevaban máscaras para representar a los personajes.

Se valían de recursos escénicos de los cuales destacaban las mascaras con que los actores recubrían sus rostros, que además servían para dar mayor volumen a sus voces.

Las máscaras eran distintas en cada una de las manifestaciones dramáticas. En la comedia, a veces, un mismo actor disponía de dos máscaras distintas con las que exteriorizaba sus cambiantes estados de ánimo.

También usaban coturnos  (calzado alto de suela de corcho) que tenían la función de proporcionar altura al actor que representaba personajes nobles elevándolo por encima del coro y equiparándolo a las grandes dimensiones de la máscara, convirtiéndolo así en un personaje enorme. De este modo, se acrecentaba también la impresión sobre el público.

Los actores eran siempre varones, hombres o niños; las mujeres solo podían asistir como espectadores.

El Coro

El coro se componía de quince miembros o coreutas, y un director: el corifeo. Sus palabras eran cantadas y hacían reflexionar al público. Nunca se cubrían el rostro y sus movimientos se realizaban en una pista circular llamada orquesta.

La raíz del teatro griego es un coro, y por ello aparece siempre en la tragedia. Pero con el tiempo el Coro pierde importancia, se limita a comentar lo que ocurre en la escena, y a marcar, por medio de cantos corales la separación entre dos episodios de la obra; este canto del Coro se llama estásimo.

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Evolución de la tragedia

La tragedia griega proviene del antiguo ritual llamado “ditirambo”, que era un sacrificio en honor al dios Dionisos. Lo más importante en estos rituales era la danza y el canto, interpretados por un grupo de personas.

Con el paso del tiempo, uno de los hombres comenzó a cantar solo, y se estableció una relación de “pregunta y respuesta” entre el hombre y el futuro coro.

Llega el siglo V aC y se inician los concursos de tragedias, en honor a Dionisos. Eran fiestas que rememoraban estas antiguas ceremonias griegas. En el concurso se presentaban tres tragedias (una trilogía) y una comedia satírica. El primer poeta griego reconocido en llevarse el premio es Esquilo. La única trilogía completa conservada de los griegos es la Orestía, escrita por él.

Esquilo es el más arcaico de los tres trágicos griegos principales (Esquilo, Sófocles y Eurípides). Con Esquilo, sólo hay un único personaje por escena (más el coro).
Los años pasan y en los concursos, el viejo Esquilo comienza a competir contra un joven que parece tener talento: Sófocles.

Esquilo representa el clasicismo, el arcaísmo griego y Sófocles la frescura, la innovación. Sófocles introduce el segundo personaje. Así pues, interactúan dos personajes y el coro.

El último de los tres trágicos es Eurípides quien, en cierto modo, completa el círculo y vuelve a los orígenes de la tragedia (que recaen en la fiesta, la danza, el sacrificio, la embriaguez) con una de sus obras más emblemáticas, “Las bacantes”, con la cual recupera ese espíritu Dionisíaco del que la tragedia griega se ha empapado a lo largo de los años. Eurípides introduce el tercer personaje.

tragedia

 

Literatura: Horacio – Oda a Leuconoe

ODA A LEUCÓNOE

No indagues, Leucónoe; vedado está saberlo
qué destino los dioses a ti y a mí nos dieron,
y no de Babilonia consultes los misterios.

Vale más, como fuere, aceptar el decreto,
ya nos conceda Jove contar muchos inviernos,
o ya sea éste el último en que abatirse vemos
contra escollos tenaces las olas del Tirreno.

Sé prudente, buen vino consume de lo añejo
y largo afán no entregues a plazo tan pequeño.
Mientras hablamos huye con la palabra el Tiempo.
¡Goza este día! Nada fíes del venidero.

Horacio, Odas, libro I, oda 11

Oda a Leucónoe

A veces es bueno sumergirnos en literatura que pareciera vetusta, porque en ella encontramos consejos y sabiduría. La vida me llevó a volver a toparme con Horacio Flaco y su famosa Oda a Leuconoe. De ella aprendí varias lecciones útiles para vivir mejor.

Aquí les dejo un análisis literario de la pieza, para que uds. mismos saquen sus conclusiones respecto a si es o no útil leerla e interpretarla.

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ANÁLISIS

Este poema pertenece al autor latino Horacio. Vivió bajo el imperio del Emperador Augusto, falleciendo en Roma en el año 8 AC. A pesar de ser hijo de un esclavo liberto, su padre le proporcionó la posibilidad de estudiar, por lo que se trasladó a Grecia a estudiar Filosofía. De allí trajo dos cosas importantes para su vida y su obra:

  1. El conocimiento del griego y sus múltiples autores tanto literarios como filosóficos.
  2. Su adhesión a la filosofía de Epicuro, conocida como epicureísmo.

Este principio (el de Epicuro sobre el bienestar) aparecerá en su obra, básicamente en los dos temas principales de la poesía de Horacio: el elogio a la vida retirada, palabras iniciales de su poema. El otro tema, el “Carpe diem”, que significa “Aprovecha el día”, es la invitación a vivir la juventud plenamente.

Comenzaremos el análisis, como es imprescindible, por el título: Oda a Leucónoe.

En primer lugar, debemos determinar el significado de la palabra ODA, para así luego comprender mejor por qué el autor titula así el poema y al poema mismo. La palabra oda, de origen griego significa, según el Diccionario de la Real Academia Española “Composición poética lírica de tono elevado, que generalmente ensalza algo o a alguien.”

¿Qué significa esto? En primer lugar que estamos ante una forma de composición literaria que pertenece al género lírico, por lo tanto, por definición, EXPRESA SENTIMIENTOS. Al decir que es de “carácter elevado”, significa que no critica o se burla de alguien, sino que por el contrario, habla resaltando lo bueno de una persona o de una cosa.

Como todo texto de carácter lírico, los sentimientos expresados parten de un YO LÍRICO y se dirigen a un TÚ, real o imaginario.

En el caso de nuestro autor, sí expresa sentimientos y ese TÚ, real o imaginario, es una mujer cuyo nombre es Leucónoe.

El tiempo pasado en Grecia, posibilitó a Horacio el conocimiento de la lengua griega, una de cuyas características es la riqueza de vocabulario y expresiones. Es frecuente, desde los tiempos del griego clásico al presente, la formación de palabras por la unión de dos. El nombre Leucónoe es de origen griego y está formado por dos palabras. Si asociamos los significados de las palabras, para unirlas en uno solo y así caracterizar a la dueña del mismo, podríamos decir que Leucónoe es “mente blanca” Pero si analizamos más profunda y metafóricamente, este nombre caracterizaría a la mujer que lo posee: una mente blanca podría ser metáfora de ingenuidad, de candor, de pureza, de inocencia y hasta de una mente que no piensa mucho, despreocupada.

El texto se inicia con unas palabras que señalan que son de advertencia:

“No indagues, Leucónoe; vedado está saberlo
qué destino los dioses a ti y a mí nos dieron,
y no de Babilonia consultes los misterios.” […]

La advertencia o también podemos considerarlo consejo, es que no quiera saber lo que los dioses les tienen prohibido conocer: el futuro. Los verbos “indagar”,“vedado” y “saberlo” unidos señalan la prohibición; el futuro desconocido está en la palabra “destino”, que indica que no sabemos cuáles serán los sucesos de nuestra vida futura y si nos serán favorables o adversos. Las palabras “los dioses” indica que ellos son los poseedores de dicho conocimiento. Ellos son los que gobiernan la vida del hombre y este se encuentra a su merced. Por eso mismo, porque Leucónoe ya debería saberlo, le aconseja no consultar los “misterios” de Babilonia. He aquí una metáfora que hace referencia a las artes adivinatorias. El futuro ha sido desde siempre, la gran incógnita para el ser humano y conocerlo, para poderlo cambiar para mejor, ha sido siempre su gran deseo. Horacio, el yo lírico, aconseja no consultar las mancias, dado que es inútil, ese conocimiento solo pertenece a los dioses inmortales.

[…]”Vale más, como fuere, aceptar el decreto,
ya nos conceda Jove contar muchos inviernos,
o ya sea éste el último en que abatirse vemos
contra escollos tenaces las olas del Tirreno.” […]

La aceptación de ese mandato divino inexorable, que no puede cambiarse, es preferible a buscar respuestas donde no las hay. La vida larga o breve que los dioses puedan otorgar, aparece en la metáfora de “muchos inviernos” y nuevamente vemos la importancia del uso de la palabra correcta. En este caso, es “contar”: la vida de las personas se cuenta por años. Pero así como pueden ser muchos, también puede ser el último invierno que contemplan ese paisaje de la costa oeste de Italia, donde se ubica el mar Tirreno y no lo saben: […] “ya sea éste el último en que abatirse vemos/contra escollos tenaces las olas del Tirreno.” […]

A continuación y para finalizar el poema, el poeta aconseja a Leucónoe:

[…]”Sé prudente, buen vino consume de lo añejo
y largo afán no entregues a plazo tan pequeño.
Mientras hablamos huye con la palabra el Tiempo.
¡Goza este día! Nada fíes del venidero.”

[…] “Sé prudente, buen vino consume de lo añejo”[…] La mesura, la moderación, la cautela deben regir la vida de Leucónoe, pero no para preocuparse por el futuro que le está prohibido conocer, sino para saber aprovechar la juventud y lo mejor de la vida. La idea de aprovechar lo mejor de la vida está en la metáfora del vino añejo: de los vinos añejados, que son los mejores, escoge el mejor de ellos, aconseja el poeta. Mira de la vida todo lo bueno y escoge lo mejor, ya en placeres físicos, ya en mentales, espirituales. También le recuerda que no debe preocuparse tanto por el futuro, dado que la vida es breve:

[…] “y largo afán no entregues a plazo tan pequeño.”[…]

La fugacidad del tiempo y con él, la de la vida, es como la de la palabra, que no es otra cosa que aire. La brevedad de la vida aparece señalada en esta metáfora: “plazo tan pequeño.”

La locución latina “Tempus fugit” es clave aquí. Significa “El tiempo huye” o “El tiempo vuela.”

 El consejo final, en latín es CARPE DIEM,
[…]“¡Goza este día! Nada fíes del venidero.” Aprovechar la juventud, el momento, el día, porque nada puede esperarse del día por venir, del mañana. Si lo señalan los dioses, mañana puede no llegar nunca, pues podremos estar muertos.

No queda establecida qué relación tiene el poeta con Leucónoe. Dado los consejos que le da, bien puede ser su padre, un tío, un hermano mayor, un maestro, una persona allegada a su familia, pero que, por experiencia de vida, se nota que le lleva años de diferencia.

Este tema es aplicable a los tiempos actuales, ya que nada ha cambiado para el ser humano: la duración de su vida sigue siendo un misterio, no importa si es creyente de alguna religión o no. Nadie humano tiene ese conocimiento del instante de ser concebido como el de su muerte. Y la curiosidad por saber el futuro sigue siendo una constante en el ser humano. Por eso vemos tantas ofertas de mancias en los medios de comunicación. El deseo del hombre por conocer su futuro está comercializado y dominado por las leyes del mercado: si hay oferta (¡y cuánta y de todo tipo!) es porque hay demanda. Aprovechemos el día, entonces. Hagamos hoy todo lo que sea bueno para nuestra vida, pero con moderación, con mesura, al decir de Horacio en la metáfora del vino: de lo mejor que la vida puede ofrecernos en todos sus aspectos, escojamos lo más valioso, que nos deje buenas experiencias, ya corporales, mentales o espirituales.

El tema, por lo tanto del poema, es de carácter filosófico, ya que reflexiona sobre los aspectos propios de la condición humana: la vida, la muerte, el deseo de conocer el futuro y el goce de la vida.

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